Este año se conmemora el centenario del nacimiento de uno de los compositores más estimados de nuestra editorial; el prolífico Xavier Montsalvatge.

Numerosos son los eventos que se celebrarán durante el 2012 para rendir homenaje a su trayectoria y legado.

TRITÓ se une al homenaje con una reedición del disco doble publicado por nuestro sello en 2002. En él se reunen las obras cumbre del catálogo del compositor (aunque no las más interpretadas):  Sortilegis, Sinfonietta-Concerto, Metamorfosi de concert, Impromptu en el Generalife, Hommage à Manolo Hugué y Concierto del Albayzín.

En aquel momento, el disco fue concebido no sólo como un homenaje que rendíamos al compositor con motivo de sus noventa años, sino principalmente como un regalo que un grupo de amigos hacíamos al Maestro. En él se recogían muchas de las ideas surgidas durante todo el tiempo que Xavier Montsalvatge había pasado hablando con nosotros a lo largo de su vida.  Llorenç Caballero

Este proyecto hubiera sido impensable sin la presencia de algunos de los grandes músicos de nuestro tiempo como Alicia de Larrocha, Jaime Martín,Josep Colom y la Orquesta de Cadaqués bajo la batuta de Gianandrea Noseda.

Hoy nuestro propósito es aún más ambicio; queremos contribuir a que la música de Montsalvatge se aprecie y reclame desde otros países y sobre todo al otro lado del Atlántico.

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Si hace menos de quince días os anunciamos la novedad discográfica “Mirada” de David del Puerto, hoy tenemos en placer de invitarte a la presentación oficial de este especial disco, en el que se recoge la obra para guitarra de este compositor, instrumento que el mismo del Puerto define como “horno de alquimista en el que se encuentran todas las materias sonoras de la tierra”

Será el viernes 28 de octubre, a las 19 horas, en la Sala Manuel de Falla del Palacio de Longoria (calle Fernando VI, 6, de Madrid). La entrada es libre hasta completar aforo, y en ella estará presente David del Puerto, Eugenio Tobalina, quien interpretará a la guitarra algunas de las obras de este CD, y Belén Pérez Castillo, profesora de Musicología en la Universidad Complutense de Madrid.

Para abrir boca, en este enlace puedes escuchar la obra Mirada para guitarra, de David del Puerto, interpretada por Eugenio Tobalina. ¡Esperamos verte el viernes por allí!

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Una de las novedades de este último trimestre del año es el disco “Mirada”, del compositor David del Puerto, en el que se reúne por primera vez la obra guitarrística de este compositor.
Utilizando para el título del disco el de una de las obras que aparecen en él, la obra “Mirada” parte de una pequeña pieza dejada en el cajón y consiste en material original, configurado por elementos recurrentes junto a otras ideas más uniformes: cánones a dos voces y una melodía en la voz inferior acompañada por arpegios, procedimiento que es casi un arquetipo para el instrumento. La orba fue dedicada por el autor a su amigo Eugenio Tobalina, y es este guitarrista quien pone voz en este disco a unos ojos de  David del Puerto que miran en esta ocasión hacia la guitarra,  en una grabación que no puede faltar en la colección de los amantes de este instrumento.

• Esucha aquí la obra Mirada para guitarra, de David del Puerto

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El creciente interés por la recuperación y reinterpretación del repertorio colonial latinoamericano se manifiesta en la reciente proliferación de trabajos discográficos. A pesar de las dificultades que se presentan para acceder a ediciones fiables de este repertorio, no son pocos los conjuntos que han registrado sus interpretaciones llegando a trabajar directamente con las fuentes.

Hasta hace poco más de cinco años podían encontrarse con dificultad dos centenares de discos sobre música colonial, la mayoría de los cuales presentaban una calidad técnica y musical deficiente o, desde un enfoque más actualizado, resultaban demasiado generalistas. No por ello dejamos de reconocer el mérito de estos intérpretes e investigadores que dieron inicio e impulsaron la aparición de conjuntos más rigurosos. Si bien entonces era habitual la elección de un repertorio heterogéneo sin reclamar ninguna argumentación, hoy nos resulta algo más difícil aceptar en un mismo programa repertorio civil, misional, catedralicio o parroquial procedentes a su vez de latitudes y altitudes distanciadas en miles de kilómetros y compuestas por compositores anónimos o conocidos como Zípoli, Salazar, Gutierrez Padilla, Ceruti, Juan de Araujo, Sumaya, Torrejón y Velasco o Esteban Salas (por sólo mencionar algunos).

Pero algo está cambiando. La especialización y las pretensiones de la audiencia exigen interpretaciones más ajustadas al entorno en el que surgieron las obras, mejor argumentadas y, por sobre todas las cosas, con un alto nivel interpretativo.

La mirada prudente sobre las ediciones, la aproximación a las fuentes originales y la creatividad a la hora de interpretar se plasman en un resultado musical vivo y lleno de interés. Los integrantes fusionan su formación especializada en música antigua y repertorio folklórico, para otorgar un sonido característico a la formación.

Si nos vamos para atrás una década encontramos que la conciencia sobre la existencia de un repertorio vasto y aún por descubrir en el ámbito discográfico motivó el surgimiento de algunas apuestas que se han prolongado hasta hoy. Aunque altamente cuestionable por su concepción y de una calidad poco aceptable, recuerdo la labor antológica llevada a cabo por el programa Repsol YPF para la Música de Latinoamérica que comenzó en 1998 con la publicación de una colección en una caja arcón con varios títulos con música de Cuba, Argentina, Guatemala, Ecuador, Bolivia, Colombia, Perú, Venezuela, Panamá, México y Brasil.

Del mismo modo el sello francés K.617 ha lleva publicados, dentro de su serie Baroque latino-américain, aproximadamente una cuarentena de discos monográficos sobre repertorio colonial. En esta colección se destaca el criterio uniforme con el cual se elaboran los diferentes trabajos discográficos.

A partir de 2005 comenzaron a salir los volúmenes de Bolivian Baroque a cargo del Ensemble Florilegium dirigido por Ashley Salomon como resultado de las ediciones e investigación de Piotr Nawrot. Actualmente llevan tres volúmenes en los cuales se manifiesta cierta tendencia a la creación de un estereotipo producto de una mirada eurocéntrica. Lamentablemente la calidad musical ha ido decreciendo del primero al último de los volúmenes.

Recientemente me ha sorprendido la aparición de un disco realizado por el Ensemble Caprice de Canadá dirigido por Matthias Maute por su calidad musical. Sin embargo, una vez más, la selección del repertorio no parece responder a ningún criterio que permita vincular las obras que trascienda el mero hecho de su proveniencia latinoamericana. Por otra parte tampoco escapa a la reelaboración tópica e idealizada de un repertorio que necesariamente ha de ser llamativo y debe tener evidentes rasgos “latinoamericanos”.

Sucediendo a pioneros como Robert Stevenson o Curt Lange que iniciaron  la recuperación del repertorio y de la descripción archivológica de los espacios catedralicios coloniales, trabajan intensamente  especialistas de todo el mundo como Piotr Nawrot, Geoffrey Baker, Bernardo Illari, Miriam Escudero, Lauro Ayestarán, Dante Andreo o Javier Marín. El resultado de sus investigaciones nos acercan más datos sobre  estas músicas para poder atender a sus particularidades. Algunas agrupaciones recientes obedecen a estas diferencias adecuando su interpretación a los diferentes contextos, épocas, estilos, géneros e idiomas e intentan elaborar versiones más ajustadas y no por ello menos novedosas.

La Capilla del Sol, es un ya consolidado ensamble argentino que desde sus inicios, en 2004,  ha abordado la música colonial desde un enfoque crítico y desprejuiciado. La excelencia interpretativa de sus integrantes sustentada por una intensa labor de investigación realizada de manera permanente por el director, Ramiro Albino, ha abierto el camino para que el conjunto realizara diversas presentaciones en Latinoamérica. Recientemente tras su gira europea (Eslovenia, República Checa y España) la agrupación recibió muy buenas críticas.

La mirada prudente sobre las ediciones, la aproximación a las fuentes originales y la creatividad a la hora de interpretar se plasman en un resultado musical vivo y lleno de interés. Los integrantes fusionan su formación especializada en música antigua y repertorio folklórico, para otorgar  un sonido característico a la formación.

El disco titulado Como pudieran en cualqueir catedral nunca puede resultar monótono ni tan sólo a oídos poco familiarizados con la música colonial latinoamericana. El contraste entre las obras escogidas radica en las diferencias funcionales de las obras que son, a su vez, reforzadas por la recreación musical. En este caso existe un criterio rector que vincula las piezas: la reconstrucción hipotética de una misa en las Misiones Jesuíticas de Bolivia.

Emulando el procedimiento que se seguía en las capillas misionales,  se seleccionaron obras de archivos misionales que fueron a su vez transcritas por los musicólogos Piotr Nawrot, Sylvia Leidemann, Enrique Godoy o el mismo director del conjunto, Ramiro Albino; todas obras que formaron parte del repertorio de las Misiones de Chiquitos y Moxos.

Como es de suponer para reparar y descifrar las fuentes en la edición y elaborar una interpretación a partir de esta edición se requiere una preparación específica. En el caso de la reconstrucción de repertorio colonial, los intérpretes se topan con la dificultad de tener que “vestir” la música. Algunas piezas de factura aparentemente sencilla, resultan sumamente difíciles de recrear sin un análisis profundo. Otras piezas se han conservado de manera fragmentaria y los musicólogos han optado por reconstruir las partes faltantes y recurrir a documentación adicional que suministre más detalles sobre el uso y maneras de las percusiones y los demás instrumentos, sobre el registro natural de las voces o sobre el la manera de ornamentar.

Del mismo modo han de imaginar la posible hibridación con ritmos, instrumentos y maneras de hacer locales. Una de las cualidades de este disco es que no se detectan artilugios ni exceso de imaginación. Nada parece arbitrario y a su vez las obras se presentan impregnadas de un carácter propio distinguiéndolas de obras de similar función y estructura compuestas en Europa.

Es un verdadero gozo escuchar este registro técnicamente ajustado y de gran nivel, características que sigue siendo difícil de encontrar en discos de música colonial. El empaste y la similitud tímbrica de las voces y la naturalidad en la ejecución instrumental otorgan a las piezas esa frescura que creo muy apropiada si se quiere reconstruir el contexto espiritual y simbólico. No aparecen leyendas ni tópicos que alimenten la expectativa de los oyentes, tampoco se facilita el discurso para hacerlo más próximo a la audiencia. Simplemente se ha realizado un trabajo razonado, sólidamente argumentado y técnicamente bueno.

Confío en que este trabajo de la Capilla del Sol sea el primero de una serie discográfica que nos descubra otros repertorios y sus consiguientes maneras de entenderlo pudiendo así  obtener su merecida aceptación internacional. La música colonial está consolidando su sitio en las programaciones de todo el mundo en busca de reestablecer el lazo cultural que une desde hace siglos Europa y América.

Capilla del Sol

CD “Como pudieran en cualquier catedral”

CAPILLA DEL SOL

Adriana Sansone, Silvina Sadoly, Soledad Molina, Isabel Barrios (sopranos) / Cecilia Pahl (mezzosoprano) / Pablo Tavaglino (alto) / Diego Sorá (tenor) / Alicia Morán, Virginia Llansa (violines) / María Jesús Olondriz (cello) / Evar Cativiela (guitarra y vihuela) / Federico Ciancio (arpa) / Cristina García Banegas (órgano) / Eduardo Rodríguez (bajón) / Sergio Bazán (percusión) / Ramiro Albino (flauta y dirección)

Buenos Aires, 2010

Este trabajo fue producido sin afán de lucro por lo que su circulación es gratuita.

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Continuamos con una cuarta entrega que sirve de repaso a los directores que han grabado con Tritó. En esta ocasión, recordamos a Sir Neville Marriner, que en la actualidad y desde 1992 es el principal director invitado de la Orquesta de Cadaqués.

Sir Neville Marriner estudió violín en el Royal College of Music de Londres y en el Conservatorio de París. En 1949 se incorporó en el Martin String Quartet y fundó el Jacobean Ensemble con Thurston Dart y el Virtuoso String Trio, y trabajó con directores legendarios como Toscanini, Furtwängler, Cantelli y Karajan.

En 1959 funda la Academy of St.Martin-in-the-Fields, de la que fue concertino y, posteriormente, director titular. Asimismo ha dirigido Orquesta de Cámara de Los Ángeles y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart.

Galardonado dos veces por su tarea realizada en pro de la música: Comendador de la Orden del Imperio Británico en 1979 y Sir en 1985. Además, la Academy of St.Martin-in-the-Fields y Sir Neville Marriner han recibido el Queen’s Award for Export Achievement en reconocimiento de sus éxitos en el terreno concertístico.

El periodo más prolífico en cuanto a grabaciones de la orquesta de Cadaqués con Tritó ha sido el que Sir Neville Marriner estuvo al frente de la misma, editando discos con las obras de Juan Crisóstomo de Arriaga , con la voz de Ainhoa Arteta, así como la Obertura de los esclavos felices, las de Fauré y Gounod, un cd con tres fantásticas obras de Stravinski, Montsalvatge y Prokofiev (Suite de Pulcinella, Sortilegis y la Sinfonía “Clásica” respectivamente). También, Pucinella en su versión completa la encontramos también en una interpretación para la que David Nel·lo escribió y narró una historia fantástica ambientada en la ciudad de Tifna, con princesas, buenos, malos, y elefantes.

Con obras de Mozart, Sir Nevile Marriner dirigió a la Orquesta de Cadaqués en numerosas ocasiones. Ello quedó constancia en tres discos: las Sinfonías concertantes, un doble cd con cuatro conciertos: para flauta (K.313), para oboe (K.314), para clarinete (K.622) y para fagote (K.191). Por último, se realizó la grabación de los Conciertos 1 y 2 para flauta y el concierto para flauta y arpa en un CD que hace muy pocos días ha sido reeditado con un diseño más actual. En él, interpretan las obras el flautista Jaime Martín, que en la actualidad es director titular de la Orquesta de Cadaqués, y el arpista Bryn Lewis. De otro gran compositor, Beethoven, Sir Neville Marriner grabó con Tritó sus Sinfonías 1,2,5 y 6 en dos fantásticos cds.

Por último, las tres Sinfonías Concertantes de Danzi, las Oberturas y Sinfonías de Fernando Sor y las obras del compositor contemporáneo Joan Ginjoan, Sincrotó y Alba son las tres grabaciones restantes que recogen para la posteridad la etapa en la que la Orquesta de Cadaqués estuvo bajo la batuta de este genial director inglés.

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Tritó ha incorporado a su catálogo las publicaciones del nuevo sello Mozaic Editions, editorial que ha cumplido hoy 1 de agosto siete meses exactos de vida, aunque la ida de su creación venía gestándose mucho antes en la mente de dos empresarios catalanes que afincados en Inglaterra. La intención de Mozaic es crear un canal de difusión del patrimonio musical catalán y latinoamericano que habitualmente ha estado  lejos de los circuitos editoriales convencionales, privando a algunas de las obras del reconocimiento que merecen.

De momento, Tritó ha comenzado a introducir su producción discográfica, aunque también editan y distribuyen libros, partituras y DVDs. Asi que, desde ya mismo, puedes consultar y adquirir los siguientes títulos:

La campana de la independencia. Marcha Heroica: Un recorrido a través de la música de compositores mexicanos y europeos que evoca la formación de la nueva nación mexicana, con obras de Manuel Ponce, Franz Liszt, Ricardo Castro, Aniceto Ortega, Ernesto Elorduy…

Aires mexicanos. Música para piano del siglo XIX. Obras de Ricardo Castro, Melesio Morales, Aniceto Ortega, Guadalupe Olmedo, Gustavo Campa… “Escuchar al piano a la maestra Navarrete es viajar en el tiempo y volver a vivir las múltiples fases del heroísmo de un siglo inigualable.” Vicente Quirarte.

Ecos de México. Música para piano del siglo XIX, con obras de Juventino Rosas, Ricardo Castro, Melesio Morales, Aniceto Ortega, Guadalupe Olmedo…

Mosaico. Música de América Latina. Una elegante selección de la música para piano de la América Latina, con obras de Carlos Guastavino, Manuel Ponce, Ernesto Lecuona, Luís Antonio Calvo, Pedro Humberto Allende, Lia Cimaglia Espinosa…

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Desde el viernes 22 de julio, y hasta el 9 de septiembre, se está celebrando el primer Festival de Música Antiga dels Pirineus. Durantre 7 semanas esta región disfrutará de las interpretaciones de las más importantes agrupaciones de música antigua del Estado, como Capella de Ministrers, Forma Antiqua, Los Músicos de Su Alteza y la Orquesta Barroca de Sevilla, entre otras.

El lugar: diversos pueblos de los pirineos catalanes como la Seu d’Urgell (Lleida) o Rialb (Lleida), gracias a una iniciativa emprendida por diez municipios que pretenden vincular la música antigua con el patrimonio arquitectónico de la zona, para dar así un uso continuado a los espacios rehabilitados gracias a las políticas de recuperación del patrimonio de las diferentes administraciones.

Por ello, Tritó editó en junio un disco que pretende promover la realización de esta primera edición del Festival de Música Antiga dels Pirineus, un evento que aspira a ser referencia internacional. Su contenido responde a la programación de estos primeros conciertos, y en él encontramos obras de Domènec Terradellas,  Händel o Scarlatti, entre otros, interpretadas por los participantes de este recién nacido festival pirenaico.

El disco está ya disponible en nuestra tienda, y si quieres más información de los conciertos, visita la web del Festival de Música Antiga dels Pirineus.

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El pasado 14 de junio se presentó en el Palau de la Música Catalana el disco “Blanc”, primera producción del nuevo sello catalán Neu Records con la integral de música coral del compositor Bernat Vivancos. El doble disco compacto está hecho con la colaboración de Catalunya Música y el ICIC, y está interpretado por el Coro de la Radio de Letonia, dirigido por Sigvards Klava.

Hay muchas cosas que nos gustan de este nuevo proyecto:

Para empezar el gran acierto que en mi opinión supone la elección del primer disco de la colección, Blanc, que contiene una obra de extraordinaria delicadeza y enorme calidad, en un estilo en la línea de Arvo Pärt, James McMillan o Olivier Messiaen, y muestra definitiva de que la creación contemporánea española está al más alto nivel del panorama actual europeo. Una música de contemplación y trascendencia que en palabras del compositor noruego Lasse Thoresen “is like a city of angels: blissful sounds populated by saintly spirits hiding between the notes as birds in a tree”. No se puede decir mejor.

También nos gusta la valiente apuesta de este sello por la música contemporánea catalana, voluntad que ellos mismos ponen en su propia definición: “Neu Records es un sello independiente de nueva creación dedicado a las grabaciones de música contemporánea en formato surround de alta definición, así como una plataforma de interacción entre intérpretes y compositores catalanes e internacionales del más alto nivel.“

Escuchar los discos de Neu Records no es asistir a un concierto, sino situarse al centro de la experiencia del sonido.

Nos llama la atención su especial interés en la exploración y ampliación hacia nuevos formatos y calidades de sonido más allá del CD o el mp3 convencionales, entrando en el Dolby Digital Surround 5.1 de alta calidad (24bits/96kHz). Ellos explican que en contraposición al concepto de concierto clásico, esto es el escenario enfrentado al público, el concierto de música contemporánea no tiene porque responder al esquema del concierto de tradición clásica en cuanto a disposición espacial, y por lo tanto sitúan el oyente en el centro del escenario, en medio de los músicos. Escuchar los discos de Neu Records no es asistir a un concierto, sino situarse al centro de la experiencia del sonido.

No obstante lo más destacable de todo y que personalmente pienso es el acierto más grande de todos es el nuevo enfoque del proyecto discográfico más allá de la venta del soporte físico. A diferencia de la mayoría de discográficas de música clásica, su web tiene un enfoque bastante diferente, no tan centrado en la fría promoción del disco y posterior redirección a tiendas de terceros, físicas o digitales, sino más abierta a la promoción de materiales de ampliación (las partituras) e informaciones adicionales, y la descarga en múltiples formatos de varias calidades, una de las cuales es el soporte físico en CD. Este nuevo enfoque, bastante innovador dentro del ámbito de las discográficas de música clásica de nuestro país, hace pensar que para ellos la venta de discos compactos ya no es el principal y único objetivo. Incluso parece como si todavía los están haciendo porque no tienen más remedio.

Neu Records es, pues, un proyecto del siglo XXI, de calidad, con clase, atrevido, innovador y made in Catalonia. Mucha suerte en la aventura.

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Hay discos que despiertan la memoria melómana, que traen recuerdos de esa insustituible experiencia que es la música en vivo y su espacio natural, los auditorios. Para muchos aficionados, la reciente grabación de la rapsodia sinfónica Catalonia, de Isaac Albéniz, a cargo de Jaime Martín y la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC), supondrá una agradable sorpresa: el descubrimiento de una partitura que transpira frescura, sencillez y encanto melódico. Para otros, supone el reencuentro con una obra que en cualquier país civilizado sería de absoluto repertorio, pero que aquí, tristemente, no lo es.

Su escucha permite refrescar sensaciones y recuerdos ligados a grandes directores y compositores que, a lo largo de su carrera, demostraron con hechos su convicción en el valor de esta pieza, sin entrar al trapo en esa endémica y estéril discusión acerca de la mala fama de Albéniz como orquestador. Ciertamente, no es un prodigio de refinamiento, pero, cuando se interpreta desde la plena convicción en sus méritos, el oyente queda cautivado, de inmediato, por la sencillez, la inspiración melódica y la eterna frescura que conserva la música del compositor catalán.

Hablo de músicos legendarios, como el ruso Igor Markévitch, especialmente en su gloriosa etapa de vinculación artística con la Orquesta Sinfónica de la RTVE; al rumano Georges Enescu, defensor a ultranza de una pieza que programó a menudo por todo el mundo; a Eduard Toldrà, el genial violinista, director y compositor catalán que en 1944 puso en marcha la Orquestra Municipal de Barcelona –hoy OBC, que ha grabado, por fin, Catalonia- y que difundió con pasión el repertorio español.

Se necesita más compromiso con la música y menos obsesión por las cifras de asistencia y la taquilla.

Hacen falta programadores que crean, de verdad, en la música española

La lista incluye artistas en activo, como Antoni Ros Marbà, apasionado intérprete de Albéniz y, de forma muy especial, de Toldrà, que fue su maestro; Jesús López Cobos, José de Eusebio – gracias a su entusiasmo conocemos hoy mejor que nunca el legado operístico del músico de Camprodón y en la grabación que hoy comentamos se incluye una suite orquestal de Pepita Jiménez por él revisada- y, en su primer disco con la OBC, Jaime Martin.

Albéniz ha tenido y tiene elocuentes defensores. ¿Por qué, entonces, Catalonia sigue siendo una página infrecuente en las salas de conciertos? Dificil cuestión. De entrada, hacen falta programadores que crean, de verdad, en la música española. De nada sirve incluir cuatro o cinco piezas a lo largo de una temporada sinfónica; tampoco bastan las cuotas de corte nacionalista, ni los encargos, cada vez menos ambiciosos y numerosos. Se necesita más compromiso con la música y menos obsesión por las cifras de asistencia y la taquilla.

Hay suficiente margen de maniobra para equilibrar la oferta usando los clásicos más populares como gancho popular, todo depende de la imaginación programadora. La normalización de obras como Catalonia – y esta página es solo un ejemplo; hay cientos de partituras en su misma situación- necesita de una firme alianza entre intérpretes, programadores y público.

Los músicos con poder – y los titulares de un conjunto sinfónico tienen mucho poder – son quienes, en definitiva, más fuerza tienen a la hora de escoger qué obras se programan y qué obras se quedan fuera: cuando un titular quiere interpretar una determinada pieza, lo hace tarde o temprano.

Los programadores, los gestores, los directores artísticos, deberían limitarse a cumplir su deber, puesto que el rescate y la difusión del repertorio nacional es una obligación para cualquier orquesta, auditorio o teatro público.

En cuanto al público, hay que buscar la mayor complicidad posible, utilizando las herramientas de comunicación que, hoy más que nunca, permiten fomentar, si se utilizan con imaginación y eficacia, la curiosidad melómana, las ganas de conocer nuevas y viejas partituras, la posibilidad de ampliar fronteras.

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Spotify anuncia en su blog cambios en sus sistema de suscripción que afecta a los usuarios de la versión Spotify Free o Open. Si el año pasado se limitó el streaming a un máximo de 20 horas mensuales a partir del próximo 1 de mayo pasará a 10 horas/mes, y cada canción se podrá escuchar un máximo de 5 veces por mes.

Los cambios no afectan todavía a los usuarios Free o Open creados después del 2 de noviembre del 2010 que gozarán del servicio habitual por seis meses. Pasado este tiempo también tendrán estas dos limitantes.

En la entrada del blog escrita ayer por el mismo fundador, Daniel Ek asegura que “al ofrecer nuestro servicio a millones de personas en Europa, hemos fomentado que la gente escuche más música, descubra nuevos artistas y que se aleje de la piratería”. Ek añade “Estos son frutos que esperábamos que surgieran de nuestro trabajo. Es de vital importancia que sigamos ofreciendo un servicio de música a la carta de manera gratuita, pero para hacerlo posible hemos tenido que poner un límite para seguir adelante.”

Spotify con su propuesta ha conseguido poner orden en el caos y arrastrar a millones de usuarios fuera de los canales de descarga. Solo por ello se merece nuestra celebración.

La reacción de los usuarios es diversa, aunque el primer comentario de su blog es contundente:  “So long Spotify. It was nice knowing you. Guess I’ll go back to pirating music again then.” [Hasta siempre Spotify. Fue bonito conocerte. Supongo que volveré a piratear música de nuevo]

Spotify está presente en 7 países hasta la fecha y dispone de una base de 6 millones de usuarios de los cuales 1 millón tiene cuenta Premium. Actualmente su catálogo dispone de más de 10 millones de canciones y sigue ampliándolo a buen ritmo.

Aunque pueda no gustar a un sector de usuarios partidarios del free-only lo cierto es que Spotify es la mejor fórmula inventada hasta el momento de equilibrio basado en el model Freemium con ventajas para todos los usuarios y con plan de retorno económico que reparte entre los artistas. Aún así muchas discográficas que aceptaron entusiasmadas la incorporación de sus catálogos en Spotify esperándose cuantiosas ganancias han terminado por retirar su catálogo por completo (es el caso de ECM y Naxos) al no ver sus expectativas cumplidas (en algún caso muy exageradas).

Pero no todo son recortes ya que su oferta de pago se ha ampliado adaptándose a otro perfil de clientes:

Spotify Unlimited, que es parecido a lo que era el servicio Spotify Open de hace un par de años, ofrece música ilimitada, sin publicidad y con la posibilidad de conectarse fuera del país de creación de la cuenta (útil para aquellos que viajan a menudo). Las principales limitaciones son que no se puede acceder en dispositivos móviles y que la calidad de audio es la misma que la de la versión Open. Cuesta 4.99€/mes.

Spotify Premium no tiene limitaciones de ningún tipo: escucha ilimitada y sin anuncios, funciona en dispositivos móviles,  ofrece almacenamiento local que permite escuchar canciones aunque no dispongas de conexión a Internet, funciona con dispositivos inalámbricos de reproducción doméstica, y la calidad de audio es de 320Kbps. Su precio es de 9.99€/mes.

En mi opinión la propuesta de Spotify es sólida, coherente y honesta, y con esta propuesta ha conseguido poner orden en el caos y arrastrar a millones de usuarios fuera de los canales de descarga irregulares e incluso convencerlos de que paguen por el servicio. Sólo por ello se merece nuestra celebración.

PD: En breve tendremos noticias de la aventura americana de Spotify, el gran proyecto de la compañía sueca actual, que es su introducción en los EEUU, dominado ahora mismo por Groove Shark, un servicio similar pero que no requiere instalación ni registro (todo vía web) y que cuenta con la friolera de 28 millones de usuarios.

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